37 CÓMIC BARCELONA. PERIPLO POR UN SALÓN
El festival del cómic barcelonés tuvo lugar los días 5 al 7 de abril de 2019, un año en el que hubo pocos cambios generales, pero sí algunos particulares, siendo el más destacable el de la denominación del salón, para la que se abandonó la coletilla de “salón del cómic”, dejando un nombre claro y conciso: número de edición, lugar y el ejercicio que se realiza. Ahora la denominación se simplifica, y así, de llamarse “xx Salón del Cómic de Barcelona”, pasa a ser “xx Cómic Barcelona”. Otro cambio significativo fue el estético del cartel, que ha vivido siempre de imágenes y personajes icónicos del tebeo, y que fue realizado en esta ocasión por la autora Ana Galvañ, dando forma a un póster con una imagen menos común pero igual de contundente.
La estructura del festival no cambió con respecto al año anterior, repartiéndose los contenidos en los palacios que rodean la plaza Univers. La gran separación entre contenidos no obstaculizaba la visita, y más por cuanto la salida a la plaza apetecía. Lo más enojoso del encuentro de este año pudo ser la entrada de un solo acceso para el público en general, que impedía salir y volver a entrar, aunque sí permitían introducir comida. Otro acierto fue que no se permitiese la entrada de banderas o pancartas con mensajes ideológicos.
Fue muy interesante comprobar cómo el festival se vuelca con los más pequeños. Se mantuvo este año la actividad Comic Kids, un área pedagógica que sigue siendo algo necesario para intentar atraer neolectores a este mundillo. Hubo también actividades y talleres para escuelas, la octava convocatoria del concurso escolar Cómic Barcelona y la jornada teórica "El cómic, una herramienta pedagógica", organizada por el Departament d'Educació de la Generalitat de Catalunya.
Hubo este año, además, una convocatoria de jornadas para los profesionales del ramo editorial y los creadores, de nuevo comenzando la cuenta: las I Jornadas Profesionales, iniciativa organizada por el Colectivo de Autoras de Cómic, Escola Joso y Ficomic, en la que se trataron asuntos como la edición e impresión de los tebeos, los derechos de autor, los contratos y cómo presentar proyectos a las editoriales y otros aspectos de la profesión.
Las exposiciones, bien montadas, fueron muy diversas, con varias dedicadas a nuevos valores (Concurso de Nou Barris, Carnet Jove, concurso escolar Comic Barcelona, la de Ana Penyas, que era en ese momento autora revelación y premio Nacional al mismo tiempo, único caso en la historia), con un buen equilibrio entre cómic clásico y de vanguardia en el resto (Spirou, Laura Pérez Vernetti, Escola Joso, Stan Lee, Cómic y Rock, etcétera). El año que viene veremos expuestos trabajos de los premiados de este año, que fueron: Altarriba, como gran premio; María Medem, como autora revelación; Universo, como mejor obra de autor español; El árbol que crecía en mi pared, como mejor obra infantil; Lo que más me gusta son los monstruos, como mejor obra extranjera; Saxifono, como mejor fanzine, y Premio Popular para Desmesura.
El plantel de autores invitados fue muy atractivo, ya que entre ellos se contaban figuras internacionales como Clowes, Tako, Kordey, Lee Bermejo, Manara, Schrauwen, Albuquerque y otros. Entre los nacionales hubo nueve mujeres y veintidós hombres. Este año, desde Tebeosfera hemos querido enfocar el grueso de la crónica volcándonos en los autores, y por eso a continuación reproduciremos las entrevistas que les practicamos a unos cuantos escogidos, todos ellos de gran talla profesional.
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| Daniel González con Matteo Scalera |
El día 5 de abril comenzamos a primera hora con Matteo Scalera, un autor de origen italiano que se dio a conocer al ser contratado por Image Comics ( Hyperkinetic, Dynamo 5, PopGun), lo que llamó la atención de los editores de Marvel (lo sedujeron para series como Masacre, Daredevil o Vengadores Secretos), pero su gran éxito ha sido sin duda su trabajo en la colección de Image Ciencia Oscura, en la que sigue trabajando en la actualidad.
Tebeosfera. Matteo, ¿cómo fueron sus inicios en la industria del cómic?, ¿comenzó en Italia?
Matteo Scalera. No. Entré directamente en el mercado americano... Comencé haciendo webcomics en 2006; desde Estados Unidos vieron mi trabajo, les gustó, y contactaron directamente conmigo.
T. ¿Y cómo es trabajar en el mercado americano?
M. S. Ilusionante. Siempre quise trabajar para ese mercado, y fue un sueño hecho realidad.
T. Ha trabajado en series de Image y de Marvel. ¿Qué diferencias ha notado entre ambas editoriales?
M. S. Trabajar con Marvel Comics fue un orgullo y un honor; trabajar para una de las mayores empresas de la industria es un sueño, poder dibujar personajes que leía de pequeño motiva y emociona. Aunque no llegué a tener algo regular y tampoco pude desarrollar más mi trabajo, ya que tienen unos marcos muy delimitados, como empresa que son. En Image Comics pude desarrollar más mi arte, por ejemplo, con Jordan, en Dead Body Road, comencé a desarrollar otro diseño de página y otra forma y estilo de trabajo. Allí puedo adaptar mi estilo de dibujo a las necesidades de los guionistas o a lo que necesite la editorial.
T. En Image los autores son, en la mayoría de los casos, propietarios de sus obras, ¿esto hace que trabaje mejor? [risas].
M. S. Bueno, consigue que te impliques más en la obra y des mucho más de ti sabiendo que es parte directa de tu organismo... También, podemos trabajar libremente como queramos y sobre lo que queramos, nos dan libertad total, aunque siempre está el editor para mantener cierto criterio [risas].
T. ¿No tiene una espinita por no haber podido trabajar para el mercado italiano?
M. S. Bueno, ya tengo algo editado allí, en el especial Dylan Dog Color Fest hice una historia corta. Para trabajar en Bonelli se necesitan unos parámetros muy específicos, sobre todo por el tipo de paginación que tienen implantado. Te contaré algo, colaboré con Jovanotti para una portada de uno de sus discos, eso también cuenta, ¿no? [risas].
T. Para finalizar, para DC solo tiene un especial de Batman, ¿le gustaría poder volver a trabajar con ellos?
M. S. Sí, Batman es uno de mis personajes favoritos y me gustaría poder realizar algo más extenso.
T. Gracias, un placer.
M. S. A vosotros.
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| Daniel González con David Tako y Jérôme Hamon |
Continuando con nuestro programa de entrevistas, nos encontramos con los autores de la industria vecina, la franco-belga, David Tako y Jérôme Hamon, autores franceses, ambos enamorados de la cultura japonesa, que han colaborado en la obra Green Class, aquí traducida por LetraBlanka Editorial.
Tebeosfera. Pregunta obligada: ¿cómo llegaron a esto de los tebeos?
Jérôme Hamon. Comencé de pequeño con cualquier título que cayese en mis manos, daba igual el título que fuese, era una pasión, aunque los abandoné a la edad de catorce, ya que era adulto y eso eran cosas para niños [risas].
David Tako. También comencé de muy pequeño y también los abandoné por la misma razón.
T. Amando este medio, Jérôme, ¿cómo es que trabajó como analista financiero, y cómo se planteó hacer cómic?
J. H. Obligaciones y necesidades de la vida, pero ya tenía en mente recuperar el tiempo perdido en la bande dessinée. Comencé leyendo libros de cine, muchos, empapándome del tipo de narrativa, dado que la estructura narrativa entre cine y cómic son muy similares, aunque después el desarrollo va por diferentes vertientes.
T. David, usted mantuvo contacto con sus aficiones de infancia, dado que trabajó en animación y videojuegos.
D. T. Sí, supongo que fue una manera de querer volver a esa afición.
T. ¿Y cómo llegó su unión artística?
D. T. Jérôme ha sido el artífice de mi retorno al cómic: me preguntó si quería hacer una historia corta en Marsupilami y tratar de hacer una obra completa juntos.
J. H. Yo ya tenía mi bagaje como autor, y al surgirme la idea de Green Class, pensé en David.
T. En esta obra se intuye un mensaje pro naturaleza y algo de crítica al rumbo que lleva la humanidad, ¿es intencionado?
J. H. Algo de mensaje sí queríamos transmitir, pero de modo velado; preferimos que el lector sea quien interprete el desarrollo y sea él mismo el que saque sus conclusiones.
T. También introducen el lado positivo: amistad, lealtad, compañerismo...
D. T. No iba a ser todo malo [risas]. Todo eso es el hilo conductor de la obra, los protagonistas no es que lo pasen demasiado bien, y la necesidad les hace fuertes.
T. ¿Por qué desarrollar la obra fuera de Europa?
J. H. Queremos que el lector no relacione las situaciones con lugares que él conoce ya, que eso hace que pueda salirse de la obra. Al hacerlo en un ambiente distinto, intentamos que mantenga su atención en lo que lee y su imaginación en inventarse los lugares, así no hay distracciones.
T. ¿Hay algo de ustedes en los personajes?
D. T. No, pero sí de las personas de nuestro entorno. Queríamos que fuese algo íntimo, y hemos adaptado la influencia de ellos para desarrollar todas las facetas de los personajes y crear diferentes identidades.
J. H. Y que luego el lector se pueda ver reflejado con alguno de los personajes, ya que hemos intentado que cada uno tenga su identidad propia y sean influyentes cada uno en su faceta.
T. Urasawa es una influencia en su arte, ¿temen que haya comparaciones?
D. T. Ojalá [risas]. Urasawa ha sido una grandísima referencia. Adaptar mis lápices a ese estilo de dibujo no fue algo buscado, pero sí que fui influenciado. Me encanta la narrativa japonesa, y Monster es un referente.
J. H. Urusawa es un maestro, y como dice David, Monster ha sido una grandísima influencia.
T. En este mercado tan complicado, ¿cómo han planteado esta obra?
J. H. Sí, es cierto que es un mercado difícil, pero con ilusión y ganas, se puede con todo.
D. T. Muy difícil pero muy comprometido. Desarrollaremos la historia en cuatro tomos.
T. ¿Qué les parece la edición española de LetraBlanka?
D. T. De las más bonitas junto con la francesa.
T. Muchas gracias por su tiempo.
D. T. / J. H. A vosotros.
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| Daniel González con Manara |
Para terminar bien y a lo grande el primer día, asistimos a uno de los sueños de cualquier aficionado a este gremio de creadores: poder entrevistar al grandísimo Milo Manara, que no necesita presentación, ya que su arte es apreciado desde su primera obra ( Genius, 1968). En estos últimos años hemos disfrutado sus trabajos sobre figuras del pasado, como Los Borgia o Caravaggio :
Tebeosfera. Preguntarle sobre su trayectoria creo que ya no es de recibo, pero sí me gustaría saber cómo ha adaptado su forma de trabajar a las nuevas tecnologías.
Milo Manara. La verdad que sigo trabajando con mi estilo, aunque en Caravaggio he introducido el color por computadora porque quería dotar a la obra de la paleta de colores originales utilizados por el propio Caravaggio en sus obras y vi que era necesario.
También quise adaptar el método de trabajo artístico. Ya lo tuve que adaptar cuando trabajé en las dos obras con Fellini, intentándolo hacer más cinematográfico.
T. Es conocida tanto la amistad como la influencia que ejerció Hugo Pratt sobre usted, ¿hubo algún referente más?
M. M. Artísticamente, Botticcelli fue una gran influencia, ya no en lo artístico sino también en el método de trabajo. Moebius también lo fue, su combinación de colores es de genio. Pero para mí el gran maestro y referente será Pratt, su manera de afrontar las historias, con ese estilo de dibujo y narrativa, añadido al espíritu con el que dotaba a sus obras, me marcó de por vida. Añadiendo el gran impulso que dio mundialmente al cómic.
T. En su dilatada trayectoria, siendo más reconocido por sus trabajos eróticos, ha sabido adaptarse a las épocas y ha tocado cuestiones culturales y sociales...
M. M. Así es, siempre he procurado estar al día de lo que ocurre a mi alrededor, y si es un añadido más para poder introducirlo en mis relatos, ayuda a que al menos se quede en la memoria. Aparte de que siempre me ha gustado jugar con los claroscuros que todos tenemos dentro, la dualidad humana de poder ser lo mejor y lo peor es algo que me fascina, y siempre juego con ello en mis personajes. Y sobre lo que comentas de mi reconocimiento de mis trabajos en el cómic erótico, para mí siempre será una bendición poder dibujar a la mujer, pero que se me encasille en ese género ha llegado a molestarme.
T. ¿Gracias a eso llegó a trabajar para Marvel Comics?
M. M. Bueno, creo que casualidad no fue [risas]. Me llegó un correo diciendo que en Marvel Comics estaban interesados en hacer un número junto con Chris Claremont, en el que casualmente eran todo mujeres [risas]. Pensé: ¿por qué no? Para ser autor de cómics hay que hacer superhéroes, si no parece que no cuenta... [risas]. La verdad que trabajar con Claremont fue eso, trabajo, quedé más satisfecho en el relato que hice junto a Neil Gaiman para Sandman.
T. Sé que es una pregunta difícil, pero ¿con cuál de sus obras se siente más satisfecho?...
M. M. Pues sí es algo difícil, podría ser Verano indio, con el maestro Pratt, o las obras con Fellini. De lo que sí estoy más orgulloso es de mis relatos de Giuseppe Bergman. Fíjate mi sorpresa cuando un año, viajando por África, vi unos carteles donde había unos libros prohibidos, y ahí estaba mi cómic. No tuve más remedio que cogerlo y guardármelo de recuerdo [risas], de hecho, aún lo conservo.
T. Y para acabar, y a modo de cotilleo, ¿alguna anécdota referente a su agitada agenda?
M. M. Demasiadas [risas]. Mira, hay una curiosa: viniendo a España con Pratt, bajábamos a algún festival o alguna convención que no recuerdo, lo que sí será difícil de olvidar es la paliza que me dio, aparte de utilizarme como chófer, Hugo no tenía carnet de conducir, me obligaba a pararme en sitios para degustar todo tipo de comidas. Le encantaba probar todos los manjares de los diferentes lugares que visitábamos [risas].
T. Muchas gracias por su tiempo, maestro.
M. M. A vosotros.
Acabamos el día con una grata sorpresa: sin haber concertado nada, a media tarde nos acercamos al stand de Planeta Cómic para ver si sería posible realizar alguna entrevista añadida, y conseguimos apuntar en la agenda dos autores más para el día siguiente.
El segundo día, 6 de abril, y con la resaca del primer día, nos acercamos de nuevo al stand de Planeta para comenzar con las dos entrevistas pactadas. La primera fue con Toni Fejzula, un autor conocido por Dead Inside o Veil, obras con un grafismo impactante que Fejzula transmite a sus alumnos en la Escola Joso de Barcelona:
T. ¿Cómo acaba un autor serbio en tierras catalanas y de donde sale esa vena creativa?
Toni Fejzula. Pues acabé por aquí hace más de veinticinco años, debido al conflicto bélico ya conocido, viajando con mi familia y siendo adoptados por esta tierra, así que ya sería mejor definirme como barcelonés de origen serbio [risas]. Siempre me han gustado los tebeos, la imaginación mostrada, aventuras, acción, una forma de evadirnos un rato de la realidad.
T. Tiene un arte muy particular, ¿qué autores han influido en ese estilo?
T. F. La mayor parte de mi trabajo recibe influencias del cómic europeo. Allá en Serbia, los tebeos de Bonelli Comics están por todos lados. Hermann ha sido una gran influencia, y de aquí, Rubén Pellejero es un referente de mis obras.
T. También ha trabajado en animación...
T. F. Sí, trabajé en el concept art de El Cid. La verdad que quedé muy satisfecho con el trabajo, pero me tira más el formato cómic.
T. Y ahora de profesor en la Escola Joso...
T. F. Pues sí, la de vueltas que da la vida [risas]. Gracias a compañeros del gremio que ya conocían mi trabajo, me recomendaron ir a probar y tuve la suerte de poder comenzar a hacer sustituciones de algunos profesores, y al poco ya estaba en plantilla, dando ilustración y narrativa, y ahí sigo.
T. Volvamos a sus obras. En la mayoría de ellas los roles protagonistas son para mujeres, ¿hay algún motivo especial?
T. F. La verdad es que no, pero sí consiguen que mi nivel de implicación sea mayor. Poder expresar sentimientos, formas de vida cotidiana, vamos, la forja del carácter, en un personaje femenino puedo volcar mejor mi trabajo y me resulta extrañamente fácil [risas].
T. En Dead Inside se aprecia un trabajo muy elaborado, tanto en guion como en dibujos, ¿ha sido su mejor trabajo hasta la fecha?
T. F. La verdad que es donde más me he involucrado. Quise transmitir diferentes estados vitales, como dije antes, es algo que me interesa que quede plasmado en mis obras, y aquí he quedado muy satisfecho; crear un personaje multidimensional es realmente complicado, y más que se pueda lograr en este medio. También John Arcudi me dio algunas directrices de cómo quería el personaje, sobre todo que no fuese nada sexy ni estereotipada.
T. De momento, sus obras han sido para sellos independientes, ¿le gustaría trabajar para otros fácilmente reconocibles? [risas].
T. F. Me siento más cómodo en sellos independientes, ya que me dejan más libertad para trabajar y así puedo volcar mejor mi estilo, pero, vamos, que si hay que trabajar con superhéroes, bienvenidos sean [risas].
T. De momento no tiene obras como autor completo, ¿es algo que le gustaría hacer o prefiere mantenerse solamente como dibujante?
T. F. Es un reto que me encanta y, de hecho, puede que en poco tiempo haya alguna sorpresa a nivel nacional [risas]. Después volveré al mercado americano y seguiré en proyectos que me ilusionen.
T. Muchas gracias por su tiempo.
T. F. A vosotros.
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| Juan Torres, Daniel González, Daniel Estorach y Julián López |
Seguidamente, y sin abandonar el sitio, aparecen Daniel Estorach, Juan Torres y Julián López, los artífices de la obra Hoy me ha pasado algo muy bestia, acompañados de varios autores más. Bastan unas breves palabras para conseguir un añadido más a la lista, citándonos para poco después.
Tebeosfera. Pregunta general para todos: ¿cómo creció en ustedes el germen de los tebeos?
Juan Torres. Pues desde bien pequeño ya tuve lectura en casa y me encantaba dibujar y escribir, quería repetir todo aquello que leía, con menos suerte [risas], pero fue en aumento hasta que en 1996 comencé a hacer fanzines; de hecho, ha sido lo que más me tiró siempre, los fanzines, libertad, comienzos, orígenes de todo. Luego tiré hacia la edición y producción de tebeos y comenzó la aventura... Todo aquello me sirvió para foguearme en este gremio. Comencé en Megamultimedia, en la edición de una línea de tebeos que tocaban todos los géneros, desde terror hasta erótico. También hice mis pinitos como guionista, junto a Juan José Ryp, en Bribones y Nancy in Hell, de la cual hemos lanzado un nuevo volumen ahora en Karras Editorial.
T. También le han editado en Estados Unidos.
J. T. Bueno, han adaptado ediciones [risas]. El velo, con el grandísimo Gabriel Hernández Walta, fue una grata sorpresa ver que era muy bien recibida por el público, tanto de aquí como de fuera, igual que El bosque de los suicidas.
T. Tiene varios premios nacionales, por El fantasma de Gaudí se llevó alguno, e incluso le nominaron para los Eisner y los Harvey, dos de los premios más notorios a nivel mundial.
J. T. Bueno, la verdad que siempre es de agradecer que premien tu trabajo, más que nada por el esfuerzo que ponemos cada uno de los autores que estamos metidos en esto, y sobre las nominaciones americanas decidí tomármelo como mera anécdota, aunque muy bien recibida [risas].
T. Bueno, Julián, después de esta charla le toca...
Julián López. ¡Buf!, sí, me estaba durmiendo [risas]. Pues mis comienzos fueron como los de todo el mundo, teniendo lectura en casa, vamos lo típico. Después estudié Bellas Artes, pero notaba que eso no era lo mío, aparte de que me costaba un poco adaptarme. Me apunté a la Escuela Joso y la verdad que eso me motivó muchísimo, ver autores españoles reconocidos dando clases y sintiendo que se podía hacer algo con esto de los tebeos fue suficiente para darme ese impulso. Con David Macho probamos con un book, pero no hubo suerte...
T. A la primera no, pero con el tiempo acabó trabajando y en un título estrella...
J. L. Bueno, sí, al tiempo me llamó DC Comics para hacer unos números de Superman, y la verdad que fue una grata sorpresa, aunque no quedé muy satisfecho del trabajo final, porque fue todo demasiado precipitado, llevaba poco en el mercado y notaba que mi dibujo era “novel”, es una espinita que tengo clavada y me encantaría volver. Me gustaría, además, y ahora que tengo más opciones, entintarme, ya que es algo que siempre he querido hacer y parece que no se me da mal [risas].
T. ¿Cuáles han sido sus influencias en esto del dibujo?
J. L. La verdad que son varios, pero los que más han conseguido influir en el trazo son José Luis García López y Alan Davis.
T. Bueno, le toca al artífice de la novela: ¿cómo comenzó Daniel a ser fan, o cómo le picó el gusanillo de escribir...
Daniel Estorach. Pues igual que mis compañeros, desde bien pequeño había títulos rondando por casa y leía todo lo que caía en mis manos. Empecé haciendo ilustración, pero al ver que no salía ningún proyecto tiré más hacia la escritura, que también era algo que llevaba de pequeño. Empecé a escribir en un blog, era una forma de plasmar ideas que ya me rondaban sobre esta serie, y así también pude soltar problemas personales que necesitaba contar. Estuve unos años, hasta que Norma editorial se fijó en ello y me propuso novelizar todo aquello, y mira, parece que funcionó [risas].
T. También hay adaptación de imagen real...
D. E. Sí, realizamos un corto, cuya acción ocurre entre el segundo y el tercer libro. Y a la espera de noticias estamos.
T. Y para despedirnos, otra pregunta común: ¿próximos proyectos?
J. T. Pues aparte de la editorial Karras, estoy trabajando en una adaptación de Benito Pérez Galdós y la continuación de El velo.
J. L. De momento sigo con trabajos pendientes.
D. E. Terminando la saga de Hoy me ha pasado algo muy bestia y a la espera de más noticias.
T. Muchas gracias a los tres.
Terminado el encuentro, acudimos a una nueva cita, en plena plaza del pabellón a la hora de comer, en un ambiente distendido, con uno de los autores revelación de este año y que está en un gran momento, dándolo todo en DC Comics, Jorge Fornés:
Tebeosfera. ¿Cómo fueron sus comienzos en esto de los tebeos?
Jorge Fornés. Pues ya desde pequeño todo lo que caía en mis manos lo devoraba, lo que fuese que llevase dibujitos y letras [risas]. La pasión por dibujar siempre estuvo ahí, la verdad, pero los comienzos fueron difíciles. Compaginaba mi trabajo en un taller mecánico con ir haciendo mis pinitos como autor, y más siendo autodidacta...
T. Nada de escuela...
J. F. Lo básico para ir tirando e ir puliendo, ya que por mi situación personal me fue imposible matricularme en las escuelas de dibujo.
T. ¿Cómo llega su primer trabajo?
J. F. Pues hace unos cuantos años, C. B. Cebulski vino a Barcelona, a uno de los salones, y le dejé un portafolio sin tener dibujado nada de superhéroes, eran trabajos personales y lo que iba pudiendo hacer. Al cabo de unos meses me ofreció hacer Daredevil, envié unas páginas de prueba y no interesó. La verdad que fue algo a lo que no le pude dedicar el tiempo suficiente, ya que seguía trabajando en el taller y se me hizo cuesta arriba.
T. ¿Cómo se sintió ante la negativa?
J. F. Bueno, a nadie le gusta que le rechacen y, como dije, fue un trabajo muy duro, pero más tarde, y gracias a David López, pude volver a meter un poco más mis lápices [risas].
T. Explíquese...
J. F. Pues de esas casualidades de la vida: un día, en el aeropuerto de Avilés, me encontré con David López y, charlando, me sugirió que le dejase un book, que él intentaría volver a meterlo. Y así fue, al tiempo me volvieron a llamar, me dieron otras páginas de prueba y quedaron más satisfechos.
T. Y comenzó su proyección como autor...
J. F. Más o menos [risas]. Hace cuatro años abandoné mi trabajo en el taller y quise dedicar todo mi esfuerzo a esto de los tebeos. En Marvel Comics me dieron unos números de Wolverine y X-Men, pero ahí se quedó todo, no volvieron a darme faena durante casi cinco meses, aunque mantuve contacto con David López después de que Mike Marts abandonase Marvel Comics. También tuve que ir haciendo cosillas propias; de hecho, tengo una obra personal sin editar [risas], comisiones y encargos…
T. Hasta que Dynamite Comics llamó a su puerta...
J. F. Sí, hice portadas y alguna colaboración en diferentes series, y sirvió de plataforma para darme a conocer.
T. Ahora, en AfterShock, ha vuelto a demostrar su pasión por la acción y el dinamismo, ¿Qué autores han sido influencia para su arte?
J. F. Pues siempre intento ser yo mismo, pero, obviamente, siempre hay algo de influencia y aprendizaje; para mí, mis “maestros” han sido Alex Toth y David Mazzuchelli. Y en Hot Lunch Special ya he podido dar muestras de esa influencia. Además, sirvió para que Tom King se fijase en mi obra [risas].
T. Comentó que Tom King contactó con usted ya cuando estaba en Dynamite. ¿Ha influido para que ahora esté en DC y en Batman?
J. F. Pues posiblemente. Me llamaron si quería hacer unas páginas para un número, a modo de colaboración, y ahora estoy a tiempo completo, compaginando trabajos con el gran Mikel Janin, entre otros.
T. ¿Y qué le deparará el futuro?
J. F. Pues de momento sigo con Batman y a la espera de nuevas noticias.
T. Pues mucha suerte y gracias por su tiempo
J. F. A vosotros.
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| Daniel González con Mikel Janín |
Avanza el día, y llegada la tarde nos presentamos en el stand de ECC Cómics para la próxima entrevista, de nuevo con otro autor español, el citado Mikel Janín, toda una estrella gracias a sus labores enLiga de la Justicia Oscura, Grayson, Superman y, por supuesto, el Batman de Tom King:
Tebeosfera. Comencemos por el principio, ¿cuáles fueron los orígenes de su pasión por el cómic?
Mikel Janin. Pues desde muy pequeño, lo que había por casa, Mortadelos, Zipis, TBOs... Solía haber siempre alguno de esos por ahí a mano.
T. Estudió Arquitectura, ¿cómo se llega de arquitecto a dibujar tebeos?
M. J. Pues por la salida laboral, pero nunca dejé ni de leer ni de dibujar, aunque a modo de entretenimiento. Conseguí uno de los primeros trabajos haciendo fan art de El Señor de los Anillos en una exposición en Italia y me sirvió para comenzar algo más profesional...
T. Que llegó para Akileos...
M. J. Sí, fue mi primer trabajo profesional, con guion de Stygryt, en Une Aventure d'Antonin Phylifandre. Hacía las páginas cuando podía, tampoco es que tuviese demasiada presión editorial, pero sí alguna dificultad debido a compaginarlo con el otro empleo. Una vez que estalló la burbuja y comenzó la crisis, dejé el mundo arquitectónico y me metí de lleno en el mundillo. Entregué un portafolio, y a Cebulski le interesó mi trabajo. Estuve esperando un tiempo hasta que al final no llegamos a nada.
T. Y comienza en DC Comics. Grayson fue un auténtico bombazo y ya empezó a forjarse la dupla King-Janin...
M. J. Así es, fue una sorpresa y de las buenas ver que uno de mis primeros trabajos llegó a tan altos niveles de calidad. Diré que estoy muy contento de cómo salieron mis páginas, lo di todo y estoy muy satisfecho. Y sí, aquí comenzó lo que es ahora una gran amistad con King.
T. ¿Y con la editorial?
M. J. Con DC todo ha ido sobre ruedas. Me dan completa libertad, junto con el guionista, para planificar todo.
T. Y hablando de King, ¿cómo se trabaja con el autor de moda?
M. J. Pues con la mayor naturalidad del mundo. Aunque en Grayson todavía no era un autor tan consagrado como lo es ahora, aún sigue manteniendo su metodología actualmente. Nos da libertad total para que aportemos ideas a su guion y así poder crear un conjunto más heterogéneo. En Batman incluso me ha dejado meter algunas ideas mías. En una doble página de la saga del Pingüino, directamente me envió una leve indicación de cómo quería que fuese, solo me indicó que quería pingüinos en varias partes, lo demás lo dejó en mis manos [risas].
Aparte de que King selecciona y defiende a todos sus dibujantes en todos los aspectos.
T. Es un autor con un estilo de dibujo muy detallado y una narrativa brutal, ¿Cómo se mantiene una regularidad a tan alto nivel?
M. J. Pues bastante complicado, mantener una regularidad en este tipo de series, además siendo quincenal, es imposible, por eso hay reparto de autores en diferentes arcos; aunque, sumando números, soy el que ha realizado más [risas], aunque hay un nivel muy alto en esta serie.
T. Tiene contrato en exclusiva con DC, pero… ¿le gustaría trabajar en algún otro sitio?
M. J. La verdad es que no. Estoy muy a gusto en DC y muy contento, tanto con mi trabajo como con Batman. Mark Millar me ofreció hacer una portada para Hit-Girl, pero en DC no lo podían permitir. Ahora mismo estoy centrado en Batman, llegar al número 100, que ya lo tengo apalabrado tanto con King como con DC, y después ya veremos qué me depara el futuro.
T. Muchísimas gracias y mucha suerte.
M. J. Gracias a vosotros.
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| Daniel Clowes y Daniel González |
El tercer día de salón, el 7 de abril, no por ser el último iba a ser el más tranquilo. Volvemos a acudir al salón de entrevistas, y a una buena hora para desayunar nos reunimos con el gran Daniel Clowes:
Tebeosfera. ¿Cómo empezó el gusanillo por los tebeos?
Daniel Clowes. Pues de muy pequeño ya me llamaban la atención aquellos cuadernos con dibujos coloridos y aventuras. Fue en casa de mi hermano, que era un gran lector de DC Comics, y por lo tanto el acceso a ellos estaba muy a mano, y esto hizo que me interesase por este mundillo, más allá de la simple lectura.
T. Y a partir de ahí, al estrellato [risas].
D. C. Bueno, he tenido la suerte de poder trabajar en algo que me gusta y poder trasladar parte de mi mundo a este formato.
T. Bueno, y a otros, ya que han adaptado obras suyas al cine...
D. C. También, pero ahí he realizado otro tipo de trabajo, ya que no es obra totalmente mía, he trabajado mano a mano con los directores, colaborando y aportando puntos de vista donde era necesario, aunque el modelo utilizado cambiase, ya que al cambiar de formato narrativo se necesita otro tipo de escritura.
T. ¿Y quedó satisfecho?
D. C. Por supuesto, sabía dónde me metía y los cambios posibles que cabría esperar.
T. Centrándonos en sus obras, en cierta ocasión comentó que para sus historias introduce personajes, facetas y sentimientos o bien propios o de personas a su alrededor...
D. C. Siempre, es algo que no puedo remediar, mostrar todo lo que ocurre a mi alrededor, a mi gente, incluso a mí, es lo que me mueve a hacer mis historias, lo que me motiva para asaltar la libreta y crear.
T. También es cierto que sus personajes crecen en su decadencia, tristeza, mala uva... ¿También hay parte de esto en Daniel Clowes?
D. C. También [risas], no todo van a ser valores morales válidos y virtudes excelentes, Hollywood es muy de eso: ensalzar siempre el lado positivo de todo y todos, cosa que me parece bien, pero no es siempre así, y a mí me gusta conectar con la gente en todos sus aspectos y reflejarlos en mis obras.
T. ¿Cómo es su método de trabajo?
D. C. Pues, como ya dije, siempre llevo mi libreta a mano, nunca se sabe lo que uno se puede encontrar por ahí [risas]. La lleno de sketches para ir apuntando las ideas que me van surgiendo, para después dar forma a todo. Acumulo muchísimas ideas de hace mucho tiempo y las voy adaptando poco a poco a mis historias actuales, para mí es como un proceso orgánico.
T. También ha trabajado para el medio audiovisual: con Ramones realizó una parte del vídeo I don't wanna grow up...
D. C. [suspiro]. Un día recibí una llamada preguntándome si quería colaborar en realizar un videoclip con Ramones, y obviamente acepté, aunque tampoco me lo tomé demasiado en serio, hasta que el manager volvió a llamarme para darme las indicaciones de lo que querían para la animación. Al tiempo descubrí que fueron los propios Ramones quienes realizaron la primera llamada.
T. Muchísimas gracias por su tiempo.
D. C. A vosotros.
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| Daniel González con David Rubín |
Y ya a modo de despedida, tanto del 37 Comic Barcelona como de esta crónica trufada de entrevistas, tuvimos un último encuentro en el salón con David Rubín:
Tebeosfera. ¿Cómo fueron sus comienzos en el mundo del cómic?
David Rubín. Siempre hubo lectura en casa, pero lo que más leí fue de Forum y Zinco, después con un amigo con el que me repartía Zona 84 y Cimoc. Además, como anécdota, me sirvió para declararme a una compañera de clase, haciendo un minicómic [risas].
T. Y cómo se desarrolló el David autor?
D. R. Pues como muchos autores, haciendo fanzines con amigos y haciendo todo lo que nos pasaba por la cabeza, imagina. Gracias a unas jornadas celebradas en Ourense conocí a Miguelanxo Prado, forjando una buena amistad. Ya en 2001 comencé en la revista Golfiño, y aquí empezó el tema serio...
T. Y aquí comenzó a forjarse el autor que es ahora...
D. R. Pues podría decir que sí, en 2005 realicé como autor completo la obra El circo del desaliento, con Astiberri, que fue bastante duro, pero con ilusión, y sin ser muy consciente de dónde me estaba metiendo. Más adelante, con La tetería del oso malayo, ya noté que la cosa iba bien tanto por las nominaciones como por la repercusión en el mercado de ventas...
T. Y ya con Cuaderno de tormentas explotó todo...
D. R. Sí, pero para bien [risas]. Aquí desfogué todos mis miedos en lo que se estaba convirtiendo esto de hacer tebeos, y sin saber lo que me iba a deparar el futuro y sin tener grandes esperanzas, realicé El héroe , pensando en despedirme a lo grande, y la verdad que fue todo lo contrario, fue un enorme boom, incluso internacional.
T. Forjó su entrada en el mercado internacional a partir de ahí.
D. R. Sí, realicé algunos comic books sueltos, pero donde ya me he sentido como un verdadero autor ha sido con Ether.
T. Es usted un autor que defiende y apoya el mercado español, ¿tiene algún proyecto o idea de futuro en él?
D. R. Pues algo hay, me gustaría tirar más hacia el mercado y la edición nacional, incluso como autor completo otra vez.
T. ¿Y en el mercado internacional?
D. R. Pues también hay algo, una futura colaboración con Lemire.
T. Gracias por su tiempo.
D. R. A vosotros.
Ha sido un placer poder disfrutar estos días con algunos de los autores de cómic más interesantes de la actualidad, y es seguro que repetiremos la experiencia.
